陈师曾文人画之价值

2022-01-11 14:28

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微画展、展览和展览

中国画、书法、油画、水彩画、收藏和个人裁缝

什么是文人画？也就是说，画有文人的性质，有文人的趣味，要看画外很多文人的感受，而不是研究艺术，或者说，用文人作画，必然会缺乏艺术技巧，制造并发症，用画外之物来弥补掩盖。我不知道绘画是一种东西，它也是一个精神的人，一个思想家，一个活动家；不是乐器的也是不简单的。否则，就像照相机一样直，一样，一样，邪恶。为什么关注艺术恶？重视艺术的人，即在道中写灵魂，表达人格和情感的人。文人也有美好的人格和高尚的情怀，平日里修身养性的性格源于平庸，所以他们也在艺术上，而那些发表和表达自己的人能吸引人们的注意力，有一种闲适而深刻的思想，却摆脱了一切尘垢的思想。然而，那些观文人画、知文人之趣、感文人之情的人，虽然对艺术的观念不同，但一定在一定程度上包含着文人的思想；不然看花会吐枣，说明这个心是一样的，这个道理也是一样的。

世俗所谓的文人画，认为艺术不是很高雅，造型不正确，画家的规矩丢了，随意涂抹，以丑陋的怪物为能量，以贫瘠率为美；专家认为是野狐禅，通俗不笑，所以文人画不能欣赏。但进退之人往往步履蹒跚，随墨而动，色彩明丽，且做手势也高人一等。虽然，在春雪时节，歌曲高亢寡绝，文人画也不领略流行的风土人情，可见其格调之高。

文人作画，是否只为丑怪荒率之恶？看古今文人画，格局有多精，手艺有多精，文笔有多谨慎，论点有多精妙，教养有多好，肤浅轻浮的一代怎能看它的肩肩！但是文人画重精神轻形式，所以那些缺少形式而有美的精神的，仍然可以算是文人画。文人画里也有丑怪的人。所谓宁普不是华，不是乔；宁丑不妖；浪费率比整洁好。纯粹的天真，没有虚假的装饰，就足以发挥个性，唤起独立精神，尽量纠正柔和优美的姿态，作画作粉，以保证其有远见而不近戏的性格。所以，谢赫的六法，第一重神韵，第二重骨法，用笔，也就是说，开篇就有明确的意思，建立基础，是门的一大饮料。至于依事塑造、继赋采、临摹写作等。然而，入口方法、艺术塑造的便利性、神圣非凡的借用路径都不能拘泥。

说白了，东坡的诗说:“在绘画的外表上，你应该看到你的邻居带着孩子。”这是一个神秘的谈话。如果她老公是初学，长得像个男人，对目标寄予厚望，空不用上学就能达成承诺，何善川的鸟兽植物有什么区别？只拘于形，而形，并无可取之处，如摄影；人的技能能和摄影器材相比吗？也就是就摄影而言，虽然是专职素材，但其对对象和景物的选择还是有艺术感的，这使其符合绘画的理想和趣味。更何况纯洁高尚的艺术，和我们精神感情所扮演的邪恶？

文人画有什么奇怪的？它只是在玩弄自己的灵魂和感情。文人的恶是什么？无非是诗歌和散文。诗歌和散文的素材无非是山川、动物、昆虫和鱼，以及普通人眼睛接触到的东西。他所想的无非是世界和时代的变化。画家画的材料和文人画的一样吗？如果是这样的话，那么文人把自己对人的意外和过去现在的感受，都钉在自己的材料上，那么绘画也叫文学和绘画。而山、河、草木、动物、昆虫、鱼类，和普通的眼睛相互接触。比如眼睛和耳朵，鼻子和舌头，笔墨；那些难闻的气味，山川中的鸟兽虫鱼，以及普通眼睛接触到的东西。所以那些能被视听、言语和行动所触发的都被人类精神所利用。文人有这种精神，但如果用外界的物质来使用，岂不是冷漠无辜？虽然眼、耳、鼻、舌的占有受到阻碍，但视听、言语、行动不能自由，所以艺术不能不练。学者的感情和性格不同，艺术实践的程度也是平等的，这就是为什么他们有不同的耳朵。

今天有这样的画，但是拿着画让他们看的人，只能看到有树，有山，有水，有桥，有房子。换句话说，树木的距离，山川的起伏，桥梁房屋的位置，似乎都有一些机会；若夫绘画的流派、格局、意境和趣味都是茫然的。为什么也是？以其无画、无画研、无画感的理念。所以，学者不一定会画，画家也不一定会写。让文人用文人画来看待，更不用说非文人之恶了，这仍然是令人崇拜的。用画家的画，使画家的观点，有很少的崇拜，和宗派制度差，或仍有那些未能得到满足。画家对文人画的看法可能会牵一发而动全身，以后再讨论，但它的独特性却让人忍不住低头。如果用画家的画和文人画，画家会让他们看着，或者别无选择，或者认为文人画不如画家的画。喔！喜欢整洁而讨厌不足率，华丽而恶朴，柔美而恶瘦而硬，细致而恶朴而浑，厚重而恶雅，是老百姓的情感。

艺术的美仅仅是由表象决定的吗？若夫以细腻为子，粗为钝，滞为深，浅为远，无处不在。如果你不想放弃魅力和骨法，你就无法掩盖把写作变成绘画的目的。

文人画历史悠久。自汉代以来，蔡邕、张恒北都以画命名。虽然他没有见过他的画有多好，但它们已经被记录在各种历史记录中。庄老之道盛行于六朝，当时的文人思想中蕴含着超越世界的思想。他们想挣脱物质的束缚，充分发挥自己的自由，把希望寄托在一个高静的状态上。例如，宗炳和王维，他们都是自己的人，通过他们的风景来展示他们的思想和个性，所以他们都有绘画理论。东坡以宗炳的题画诗为题，表现了他的文人思想的契合。王羽、王羲之、冼艺嘉都有旗帜鲜明。逐渐发展，至唐代王维、张洽、王载、郑虔，成为一代之风，唐代王维被推为南宗始祖。当时，诗歌理论与绘画密切相关。风流历经宋元明清，生生不息，其苦心可想而知。

在南北朝时期，文学运动最为繁荣，涌现了大量思想最发达的作家、诗人和词人。因此，绘画也随之产生，每一种都非常有能力。欧阳咏舒、梅、苏东坡、黄山谷都有题画诗，都能赏析；司马君石、王、朱考亭都是绘画史上的大家。说明当时文人的思想与绘画非常兼容。和尚的墨梅，文和柯的都时有出现。李子和竹子只是一种花。墨梅的方法以前从未听说过，但据说朱模在唐代就存在了。张伟、张莉、孙伟有墨迹；南唐后期大师的铁钩锁和金错刀改变了他们的方法。到了开元明初的湖州竹派，东坡知道了它的妙处。文人画不仅以山水为造型，而且具有文人的趣味。

而且书画相通，会写的人会画，所以古今书画都是长辈，很多画中的笔法和书是分不开的。宋公恺评画云:“人叫墨鬼打笔，大不了。这就是书法家的圣人。有没有不擅长真书，能当小草的？”陆探微创造了中风，因为王献之有一本书。赵昂对题画诗的评价:“石如苍蝇，白木如稻草，写竹须八法。如果有人能遇到这种情况，你应该知道，绘画和书法是一样的。”赵子昂还问钱顺举:“为什么叫士气？”答:“李体儿。如果你能讲述绘画的历史，你就可以不用翅膀飞翔。不这样，就会走上邪路，越干越远。”柯九思的画竹论:“用篆刻写竹干，用草书写枝，用八分法写叶，或用鲁公笔法，木石断股，屋漏偏逢连。”南唐以后，大师用金厝书法画竹子。可见，文人画不仅趣味高尚，而且将书法与绘画方法相结合，使绘画更加困难。你不仅可以通过努力学习标准绘图来完成事情，还可以从其他方面进行学习。所以宋、元、明、清时期的文人画是相当厉害的，因为他们有各种造诣，各种学问。也就是说，蔡邕、、、冼都是书画家。

倪云林谈画云:“所谓画家之仆，惟笔法邋遢，不求相似，聊以自娱。”也谈画竹云:“如果你多花点时间画竹聊天，把逃气的耳朵写在胸前，你能比较一下它的对错吗？”吴评画云:“墨戏之作，适一时。”从这个角度，我们可以想象文人画的主旨和东坡的欢乐节。元代大家品格高洁，学识渊博，所以他的绘画沿袭了景、关、董、居的风格，开明明朗。吴、云四王，四人皆出。他所有的画都不一样，而且都是精心准备的。为什么说它们牵强不完整？也就是说，云和森林不求相似，那为什么不把树画成树，把石头画成石头呢？不求相似者的精神不在于相似，比如画家的勾心斗角，而在于形求耳。当他用笔时，他有了另一种意义和另一种寄托。他不需要刻舟求剑，天生的猫耳朵很光滑。而且，文人画不求形似是绘画的进步。为什么说路这么长？我从简单的类比。今天，当一个人是绘画的初学者时，他们的欲望是相似的，但随着时间的推移，他们变得越来越相似。知道胸中所见之后，可以随意画，没有任何相似之处。你不必到处描述它。你可以得心应手，适应它。把它的表达盖在对象之外，把它的表达结合在对象之中，没有他，就盖它的要点。能工巧匠解的牛，在其中肯下功夫，很容易就能解出来，而且是超然如:妙而自然。要点是什么？所谓符号也是。

毕竟历史上，汉代以前的画很难看到；钟鼎三代的图案和文字与实物相似。如果文字是画出来的，就不应该叫画。汉代画像石，古拙蒲麓，与三代画像石相似。六朝造像时，像衣服，像线条，就像画家的法度，从石雕人身上就能看出来。

如果纸张是原创的，它必须是彩色的和美丽的。六朝入汉魏，隋唐入六朝。人们想要工作也是一种自然趋势。求一转功，必有数笔草草，一个被神仙吸收的人。宗炳和陆探微都有中风。这是什么意思？宋人为美，是极矣。比如黄泉、徐希、滕长友、易元吉，都是写生能手。东坡、文、柯则不争形似。人心的思想都在为进步而奋斗；走进本质，却没有回头路。如果你想要比空更好的，那就提本质吧。

就一个人的画来说，经过类似的课，技能就会不一样。那些长得不像的人忘了舔蹄子，在倪田游泳。西洋画很像！从19世纪开始，人们就用科学原理来研究光和颜色，它们以物理图像来体验人类。

然而，从最近开始，印象主义走上了另一条路，不是关注对象，而是关注主体性。立体主义、未来主义、表现主义，以及他们思想的变化也表明，相似不是艺术的极致，而是有所求。或者说文人画太过深沉含蓄，以至于世人不易理解，为什么不降低它的标准，期望普及呢？这就好比为了弯腰白话文而试图改变汉语，通过强化会说话的孩子来学会呱呱婴儿的哭声。这是什么？要想普及文人画，必须先培养其思想品格；如果把世界的观念带到一个更高的层次，以接近文人的品味，那么文人画就能了解自己，享受自己。如果不求缘起而终，那么文人画最终会成为匠人之一，文人画的特色也会一扫而空。如果适合庸俗的应用，没有工匠的画，那为什么要被文人贬低呢？